Kurioses von der OECD: Wachsende Steuereinnahmen im armen Afrika zeigen Wirtschaftswachstum an

Rising tax revenues are key to economic development in African countries

Tax revenues in African countries are rising as a proportion of national incomes, according to the inaugural edition of Revenue Statistics in Africa. The report, which contains internationally comparable revenue data for eight African countries, accounting for almost a quarter of Africa’s total GDP, will be discussed on Sunday 3 April in Addis Ababa during  the 2016 African Union (AU) – Economic Commission for Africa (ECA) Conference of Ministers.

In 2014, the eight countries covered by the report - Cameroon, Côte d’Ivoire, Mauritius, Morocco, Rwanda, Senegal, South Africa and Tunisia -  reported tax revenues as a percentage of GDP ranging from 16.1% to 31.3%.  Since 2000, all of these countries experienced increases in their tax-to-GDP ratios. The size of these increases ranged from 0.9 percentage points in Mauritius to 6.7 percentage points in Tunisia. Morocco, Rwanda and South Africa had increases of around 5 to 6 percentage points.  In comparison, the OECD average of 34.4% was only 0.2 percentage points higher in 2014 than in 2000.

Revenue Statistics in Africa is produced jointly by the African Tax Administration Forum (ATAF), the African Union Commission (AUC), the Organisation for Economic Co-operation and Development (OECD) and the OECD Development Centre.  The data has been assembled and presented in close collaboration with the governments of the participating countries.  The report was conceived as part of the AUC’s Agenda 2063, which aims to “develop and implement frameworks for Policies on Revenue Statistics and Fiscal Inclusiveness for Africa.” 

The increases in tax revenues in African countries reflect continuing efforts to mobilise domestic resources, as well as the result of tax reforms and modernisation of tax systems and administrations.

The biggest driver of tax increases since 2000 in countries covered by the report has been rising taxes on income and profits, and more specifically increases in corporate income tax revenue. There were also substantial increases in Value Added Tax (VAT) revenues.

Some African countries are significantly dependent on non-tax revenues, and more specifically on grants such as foreign aid and resource rents together with other property income. The countries with the lowest national incomes covered by the report had relatively higher non-tax revenues, which tend to be more volatile than tax revenues, making their finances less stable and predictable.

A special chapter in the report describes the benefits and limitations of collecting comparable data and how these issues relate to Africa. The new database responds to a demand from governments, citizens and policy makers for reliable and comparable revenue data to inform fiscal policy and provide a basis for the implementation of future reforms.  The eight African countries covered by the new report will be added to the existing Revenue Statistics databases, which now cover 66 countries worldwide, allowing for greater international comparison, policy dialogue and cooperation between countries in Africa, Asia, Latin America and the Caribbean and the OECD.

Überblick

Tax to GDP ratios

·        In 2014, the tax-to-GDP ratios in the eight African countries covered ranged from 16.1% to 31.3% (the OECD average is 34.4%). 

·        Tunisia had the highest tax-to-GDP ratio in 2014 (31.3%), followed by Morocco (28.5%).

·        Cameroon and Rwanda had the lowest tax-to-GDP ratios in 2014, at 16.1%, followed by Côte d’Ivoire (17.8%). 

·        All eight countries saw increasing tax-to-GDP ratios over the 2000-14 period. These increases ranged from 0.9 percentage points in Mauritius to 6.7 percentage points in Tunisia. Morocco, Rwanda and South Africa had increases of around 5-6 percentage points.

Tax structure

·        The share of taxes on incomes and profits in total tax revenues is highest in South Africa, at 51.2 % in 2014.  The share of personal income taxes in South Africa is higher than the OECD average, whereas it is lower for the other participating African countries.

·        The shares of corporate income tax revenue to total tax revenues were significantly higher than the 8.5% OECD average. In six of the eight African countries these shares ranged between 13% and 18%. 

·        Consumption taxes yielded the largest share of the total tax revenue – over 55% - in Cameroon, Côte d’Ivoire, Mauritius, Rwanda and Senegal. With the exception of Côte d’Ivoire, more than half of this category of revenue is generated by VAT. 

·        Tunisia and Morocco displayed a more evenly spread tax mix compared with the other countries: around 30% of tax revenues came from taxes on incomes and profits; around 35% to 40% was from consumption taxes; and 20% to 28% was from social security contributions. The share of social security contributions to total tax revenue is far smaller in the six Sub-Saharan countries, ranging from 1.5% in South Africa to 11.3% in Côte d’Ivoire.

Non-tax revenues

·        The total non-tax revenues collected as a percentage of GDP in 2014 ranged from 0.6% of GDP in South Africa to 9.5% of GDP in Rwanda.

Oper Frankfurt: Messiah von Georg Friedrich Händel

P.S.: Bei der Veranstaltung OPER OHNE GRENZEN in der Oper Frankfurt wurden – wie während des Konzerts erbeten – durch die Logenschließer an den Ausgangstüren der Betrag von 5.315,24 € an Spenden für den Verein TEACHERS ON THE ROAD eingesammelt.

Die Oper Frankfurt dankt ihren Besuchern recht herzlich.

Bitte beachten Sie zudem, dass für die erkrankte Sopranistin Pumeza Matshikiza von der Staatsoper Stuttgart das Frankfurter Ensemblemitglied Karen Vuong die erste Arie der Mimì aus Puccinis LA BOHÈME sang!

Nationaltheater Mannheim: Dunkel lockende Welt

Dunkel lockende Welt 

von Händl Klaus

Premiere am 18. März, 20.00 Uhr, Studio

Die Ärztin Corinna Schneider will nach Peru ziehen, angeblich ihrem Freund hinterher. Bei der Wohnungsübergabe in Leipzig findet der Vermieter, Joachim Hufschmied, einen offensichtlich menschlichen Zeh. Was ist passiert? Wem gehörte die Zehe? Und was spielt sich zwischen Hufschmid und der jungen Frau ab? Corinna reist nach München zu ihrer Mutter Mechthild, wo ein besonderes Gespräch zwischen den beiden Frauen stattfindet. Ergebnis: Frau Schneider Senior taucht nun ihrerseits bei Corinnas Vermieter auf. Das Haus versinkt im Bauschrott, während sich Joachim und Mechthild näher kommen. Doch was ist mit Corinna geschehen?

Der 1969 geborene österreichische Autor Händl Klaus erzählt philosophisch-poetisch, humorvoll-skurril von den neurotischen Verwicklungen dreier Figuren und trifft dabei immer wieder ins Zentrum verborgener existentieller Ängste.

Regie: Greta Schmidt - Bühne und Kostüme: Linda Johnke – Licht: Björn Klaassen- Dramaturgie: Stefanie Gottfried

mit Sabine Fürst, Ragna Pitoll, Fabian Raabe

Wallstein: Friedrich Rückert - Der Weltpoet

Der Weltpoet. Friedrich Rückert
1788-1866
Dichter, Orientalist, Zeitkritiker

Herausgegeben von Rudolf Kreutner
Wallstein Verlag


Katalog zur Ausstellung zum 150. Todestag von Friedrich Rückert, am 31. Januar 2016, die in den drei Rückert-Städten Schweinfurt, Erlangen und Coburg gezeigt werden wird.
Friedrich Rückert (1788-1866) zählt zu den bedeutendsten deutschsprachigen Dichtern seiner Zeit. Mit seinen zahlreichen, literarisch seither unerreichten Übertragungen aus insgesamt 44 Sprachen hat er den Deutschen »einen Schatz geschenkt, den keine andere Sprache besitzt« (Annemarie Schimmel). In seinem größtenteils unveröffentlichten Alterswerk hat er bereits viele der ökologischen und gesellschaftlichen Folgen der aufkommenden Industrialisierung scharfsinnig vorhergesagt.
Unter den sechs Stichworten »Aufwachsen.«, »Sich finden.«, »Erfolg haben!«, »Scheitern?«, »Weise werden ...« und »Abgetan?« stellt der Katalog Rückerts Leben, Werk und Wirkung facettenreich dar. Ein besonderes Augenmerk gilt auch der bildenden Kunst, wenn seine Beziehung zu den Nazarenern oder den Malern der Ritterromantik untersucht wird. Ebenso werden Gegenwartsthemen wie der interkulturelle Dialog und die aktuellen gesellschaftlichen und ökologischen Herausforderungen ins Blickfeld gerückt.

Schweinfurt, Kunsthalle: 8. April bis 10. Juni 2016
Erlangen, Stadtmuseum: 24. Juli bis 13. November 2016
Coburg: 14. Januar bis 17. April 2017

Fantasien zur Nacht (Video): Fornifilia (Forniphilia) oder Der beleuchtete Mann

Fornifilia (Forniphilia) 

Kaiserslautern: Workshop zur pfälzischen Migration

Einwanderung nach dem 30-jährigen Krieg

Die Pfalz ist ein klassisches Ein- und Auswanderungsland. Die Menschen, die die verödete Pfalz nach dem 30-jährigen Krieg besiedelten, brachten auch ihre Kultur und die Gepflogenheiten des jeweiligen Heimatlandes mit. So wird es auch heute sein, wenn Zehntausende Orientalen ihre Basar- und Soukstimmung in die Winzerdörfer oder verödeten Nordpfalzgegenden tragen, während die Jugend wegzieht. Der weltoffene Pfälzer herbstet demnächst mit Turban. 

Die Referenten gehen in ihren Kurzvorträgen auf die Einwanderung der Hugenotten, Schweizer oder Tiroler ein. Nach jeder Einheit besteht Raum für das Publikum Fragen zu stellen und zu diskutieren. Anschließend gibt es eine Pause und die Gelegenheit für Einzelgespräche.

Für das kulinarische Wohl ist gesorgt.

Um Anmeldung wird gebeten, auch für einzelne Vorträge möglich:

0631/3647-111 oder info@pfalzbibliothek.bv-pfalz.de.

Referenten: Roland Paul (Hugenotten), Helmut Seebach (Schweizer), Markus Bauer (Tiroler)

Moderation: Barbara Schuttpelz

Samstag, 23. April, 10-15 Uhr; Pfalzbibliothek, Eintritt frei,

Parkplätze im Hof, Bibliothek ist normal geöffnet

Fantasien zur Nacht (Video): German Vogue - Dark Boom

German Vogue - Dark Boom

Der April in den Münchner Kammerspielen

Am 16. April findet in der Kammer 1 die Uraufführung von Elfriede Jelineks neuem Stück „Wut“ in der Inszenierung von Nicolas Stemann statt. Jelineks Text entfesselt die Wut, die zu den Anschlägen in Paris geführt haben mag. Sie bleibt aber nicht stehen bei der Aggression islamistischer Terroristen, sondern komponiert einen vielstimmigen Wut-Chor: Die Stimmen deutscher Wutbürger sind darin ebenso enthalten wie die anderer „aufrechter“, „erwachender“ Europäer – oder jene des antiken Helden Herakles, der, von der Göttin Hera verwirrt, im Wahn die eigene Familie auslöscht. „Wut“ ist die inzwischen achte Zusammenarbeit der künstlerischen Wahlgemeinschaft von Elfriede Jelinek und Nicolas Stemann, Hausregisseur an den Kammerspielen. Es spielen: Daniel Lommatzsch, Jelena Kuljić, Thomas Hauser, Hassan Akkouch, Julia Riedler, Annette Paulmann, Franz Rogowski und Zeynep Bozbay. 

Zwei Monate lang haben FUX ihr Glück in die Hand genommen und gemeinsam mit dem Publikum Kreuzworträtsel gelöst, Rubbellose gerubbelt, an Fernsehquizshows teilgenommen, Kindermalwettbewerbe unterwandert, Dosen geworfen und auf Pferde gesetzt. In dem Bühnenstück „FUX GEWINNT 3/3“ zieht die aus Gießen stammende Theatergruppe die Summe aus ihren Erfahrungen. Im Selbstversuch haben die drei Protagonisten die entgarantierten Arbeits-, Beziehungs- und Lebensverhältnisse in Zeiten des Spätkapitalismus erforscht und fragen sich, was mit persönlichen Erlebnissen und Objekten geschieht, wenn sie im Rahmen theatraler Spielhandlungen zum Einsatz gebracht werden. Premiere ist am 21. April um 20 Uhr in der Kammer 3. 

Mit zwei Vorstellungen ist das Choreografen-Duo Monika Gintersdorfer und Knut Klaßen mit der Produktion „Not Punk, Pololo“ am 12. und 13. April in der Kammer 2 zu sehen und wartet mit einem fulminanten „Clash de luxe“ der Popkulturen auf: Nicht weniger als fünfzehn Protagonisten der Tanz-, Club- und Performanceszene stehen auf der Bühne. Kim Noble stalkt den Kassierer in seinem Supermarkt und versucht, ihm durch den Kauf von Kondomen, Tampons und Schwangerschaftstests Zeichen zu senden. Er protokolliert die sexuellen Aktivitäten seiner Nachbarn und ruft Telefonnummern an, die Fernfahrer an den Wänden von Autobahntoiletten hinterlassen haben. Vergeblich versucht er, sinnstiftende Beziehungen aufzubauen in Situationen, die dafür einfach nicht geeignet sind. 

„You Are Not Alone“ von und mit dem Engländer Kim Noble ist abgrundtief traurige Comedy – und ein Kommentar zu Überwachung und Datenschutz: am 15. und 16. in der Kammer 3 zu sehen. 

Die Veranstaltung „No Limits? Globale Perspektiven auf Migration und Flucht“ des Goethe-Instituts und der Münchner Kammerspiele sucht nach neuen Strukturen der Solidarität in einer sich wandelnden Welt. Ein Perspektivwechsel – live und zeitgleich per Videokonferenz in München, Mexiko und Istanbul: am 23. April, 20 Uhr in der Kammer 1. 

Und last but not least starten die Münchner Kammerspiele im April das „Welcome Café“: geflohene und nicht-geflohene MünchnerInnen sind eingeladen, jeden Montag zwischen 16 und 22 Uhr in der Kammer 2 bei einer Tasse Tee oder einem Teller Suppe ins Gespräch zu kommen. So können auf direktem Wege Verabredungen zum Fußball spielen oder Deutsch lernen entstehen, es können Patenschaften vermittelt, Einladungen ausgesprochen, Fragen gestellt und Tipps gegeben werden. Ein Ort, an dem sich alle willkommen fühlen und ganz wortwörtlich den Blick über den jeweils anderen Tellerrand wagen können. 

Das neu gegründete OPEN BORDER ENSEMBLE präsentiert am 04. April Theater, Musik und Gespräch. 

Pfalzbibliothek Kaiserslautern: Holzschuh, Strauben & Schindelhäuser nur noch bis 23. April

Noch bis 23. April zu besichtigen

Holzschuh, Strauben & Schindelhäuser

Kaiserslautern: WORKSHOP KREATIVES SCHREIBEN

SPRACHE ALS ERLEBNIS. KREATIVES SCHREIBEN
SAMSTAG, 16. April 2016.  IM WALDSCHLÖSSCHEN.

Leitung: Christine Herzer, Künstler Poet  [MFA Poetry/Creative Writing, Bennington College, USA]

Sie sehnen sich nach Inspiration, sind neugierig auf Kunst und Sprachexperimente. Sie schreiben bereits oder wollen endlich beginnen. Sie möchten sich immer mehr zutrauen, Neues wagen und mehr über sich erfahren via Sprache.

Wir arbeiten mit Worten, Bildern, Stille und Objekten. Augen & Hände werden trainiert/praktiziert/inszeniert. Es wird geschrieben, geschwiegen, gelesen, sich mitgeteilt, nachgedacht, sich geirrt. Hat Schreiben und Fühlen einen Wert? Kann man Sprache vertrauen? Wie fühlt sich Nichtstun an? Dieser prozess-orientierte Kurs bietet wort-, lebens- und lernhungrigen Menschen vielfältige Möglichkeiten des Ausdrucks. Die Teilnehmer verlassen den Kurs mit einem persönlichen Portfolio von Texten in verschieden Formen und Inhalten.
Materialien: Bringen Sie Ihr Lieblingsbuch und ein Objekt Ihrer Wahl zum ersten Kurs. Das Buch kann ein Kochbuch, Roman, Comic, Gedichtband, etc sein, ein Buch dass Kopf und Seele aufgerührt hat.

Alter: ab 15
Teilnehmerzahl: Min 6, Max 12
Samstag 16. April 2016
14-18 Uhr
Teilnahmegebühr: 60 Euro

Information/Anmeldung: christineherzer@gmail.com

 „Ich bin Künstlerin und Dichterin = Sprach[raum]arbeiterin. Ich arbeite mit Sprache, Gefühlen & Form. Ich trainiere meine Augen zu sehen als wäre es das erste Mal. Wunderaugen, Märchenaugen, Möglichkeitsaugen.  Waldaugen. Ich bestreiche Brot mit rosa Akrylfarbe. Ich belege Brot mit Passphotos. Kann man Sprache essen? Was passiert wenn man Gefühle sieht? [ATEMNOT]“

Christine Herzer ist Autorin der Chapbooks ‚i cheated on Chanel N°5‘ [Dancing Girl Press, 2013] und ‚i wanted to be a pirate [h_ngm-n eBooks, 2009]. Ihre Gedichte und Essays erscheinen in zahlreichen Literaturzeitschriften und Kunstmagazinen in den USA, England und Frankreich [z.B. Fence, American Letters & Commentary, Drunken Boat, The Volta, The New York Quarterly und Aesthetica Magazine]. Auszeichnungen, Performances und Ausstellungen [Auswahl]: Landesstipendium des Künstlerhauses Schloss Balmoral der Kulturstiftung des Landes Rheinland Pfalz [2012]; Gastprofessur ‚Creative Writing‘, Symbiosis College for Liberal Arts, Pune, Indien [2013]; je m’existe’, Solo-Show, Galerie Evi Gougenheim/Artplace, Paris [2013]; Lehrauftrag ‘Poetry Electives’, National Institute of Design, Ahmedabad, Indien [2011-2013]; ‘Portrait of the Artist’, Solo-Show, Galerie Arnaud Lefebvre, Paris [2015]. 

Mehr Information auf http://christineherzer.tumblr.com ; und http://poets.nyq.org/poet/christineherzer.

Heute im Nationaltheater Mannheim: Die Heilige Johanna der Schlachthöfe

(C) Hans Jörg Michel

Die Heilige Johanna der Schlachthöfe 

von Bertolt Brecht

Premiere am 12. März, 19.30 Uhr, Schauspielhaus

Georg Schmiedleitner arbeitet als Regisseur u. a. am Staatstheater Nürnberg, Schauspiel Leipzig und am Burgtheater Wien. In Mannheim inszeniert er seit 2006 kontinuierlich, zuletzt Die Jungfrau von Orleans, Ein Sommernachtstraum, Maria Stuart, Woyzeck und Homo faber. Am 12. März bringt er im Schauspielhaus Brechts Die Heilige Johanna der Schlachthöfe auf die Bühne.

Im Chicago der Weltwirtschaftskrise tobt ein Vernichtungswettbewerb unter den Produzenten von Büchsenfleisch. Die Produktion wird eingestellt und Tausende verlieren ihre Arbeit. Johanna Dark, Leutnant bei der Heilsarmee, will helfen, indem sie sich der verlorenen Seele des »Fleischkönigs« Pierpont Mauler annimmt, der im Begriff ist, sich durch Börsenmanipulation eine Monopolstellung am Fleischmarkt zu beschaffen. Mauler geht scheinbar bereitwillig auf Johanna ein, decken sich ihre Wünsche doch mit denen seiner Wallstreet-Berater. Doch mit der Zeit wird Johanna klar, wessen Geschäft sie betreibt. Ihr christlicher Glaube verbietet ihr aber die tatkräftige Unterstützung des Generalstreiks (»Es kann nicht gut sein, was mit Gewalt gemacht wird«), was zum Scheitern des Streiks beiträgt. Die Fleischbosse stilisieren Johanna zur Märtyrerin und »Trösterin der Armen«, während sie sich sterbend − im Angesicht der Toten und Erschlagenen − zur Revolutionärin wandelt. Ihr »Es hilft nur Gewalt, wo Gewalt herrscht« wird vom Chor der Sieger übertönt.

Unter Mithilfe von Elisabeth Hauptmann und Emil Burri schrieb Brecht 1929 seine Version der Jeanne d’Arc. Dabei gelingt ihm das Kunststück, durch eine poetische und metaphernreiche Sprache, die Anleihe bei Shakespeare, Schiller und der Bibel nimmt, und durch das spannende „Melodram“ um sein Antagonistenpaar Johanna/Mauler die Mechanismen des Kapitalismus und deren ideologische Verschleierung sinnlich erfahrbar zu machen. Sein kolportagehafter Börsenkrimi beschreibt zeitlos eine Gesellschaft, deren Existenz immer wieder durch Finanz- und Wirtschaftskrisen bedroht ist.

Inszenierung: Georg Schmiedleitner- Bühne und Kostüme: Florian Parbs- Video: Stephan Komitsch / Roman Kuskowski – Licht: Robby Schuhmann- Dramaturgie: Tilman Neuffer

mit Michael Fuchs, Almut Henkel, Boris Koneczny, Anne-Marie Lux, Reinhard Mahlberg, Jaques Malan, Hannah Müller, David Müller, Carmen Witt

Die nächste Vorstellung: 29. März

Frankfurter Oper im April, Teil 1

Folgende Highlights finden sich im Spielplan der Oper Frankfurt im April 2016 (Änderungen
vorbehalten):

Sonntag, 3. April 2016, um 19.00 Uhr im Bockenheimer Depot
Premiere / Frankfurter Erstaufführung
RADAMISTO
Oper in drei Akten von Georg Friedrich Händel
In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Musikalische Leitung: Simone Di Felice; Regie: Tilmann Köhler
Mitwirkende: Dmitry Egorov (Radamisto), Gaëlle Arquez (Zenobia), Paula Murrihy (Polissena),
Kihwan Sim (Tiridate), Kateryna Kasper (Tigrane), Vince Yi (Fraarte), Thomas Faulkner (Farasmane)
Weitere Vorstellungen: 6., 7., 9., 10., 13., 15., 17. April 2016
Alle Vorstellungen beginnen um 19.00 Uhr
Preise: € 15 bis 70 (12,5% Vorverkaufsgebühr nur im externen Vorverkauf)

Georg Friedrich Händel (1685-1759) komponierte Radamisto für die frisch gegründete Royal
Academy of Music in London. Das Libretto stammt von Nicola Francesco Haym und beruht auf einer bereits bestehenden Textdichtung, die wiederum auf Tacitus als historischer Quelle zurückgeht. Der Komponist war zuvor extra mit der Absicht nach Deutschland gereist, ein italienisches Ensemble mit dem berühmten Kastraten Senesino an der Spitze zu engagieren, aber alle von ihm gewünschten Sänger waren bereits anderweitig verpflichtet. Daher entsprach die Besetzung der am 27. April 1720 erfolgten Uraufführung nicht Händels Vorstellungen. Sobald absehbar war, wann die Künstler wieder verfügbar waren, erarbeitet er eine zweite Fassung, die bereits ein gutes halbes Jahr später am 28. Dezember 1720 uraufgeführt wurde. Der Erfolg war so groß, dass auch in der nächsten Spielzeit weitere Vorstellungen angesetzt werden mussten. Die berühmteste Arie des Werkes ist Radamistos Klagegesang „Ombra cara“, den die Forschung als eine der besten Arien Händels bezeichnet.
Zum Inhalt: Der armenische König Tiridate ist unsterblich in Zenobia, Gemahlin des thrakischen
Prinzen Radamisto, verliebt. Aus diesem Grund hat er seine eigene Frau Polissena, die Schwester Radamistos, verstoßen und Thrakien den Krieg erklärt. In dessen Verlauf gedenkt er nicht nur das Land, sondern auch die Angebetete zu erobern. Doch Zenobia weist ihn zurück – zu groß ist ihre Liebe zu Radamisto. Ähnlich fühlt Polissena: Trotz zahlreicher Demütigungen des Tyrannen steht sie unverbrüchlich zu ihm und rettet ihm sogar mehrfach das Leben. Die Treue der Frauen trotzt also jeder Gewalt. Als Tiridate merken muss, dass ihn sein Kriegsglück verlassen hat, gibt er vor, sowohl auf Thrakien als auch auf Zenobia zu verzichten und zu Polissena zurückkehren zu wollen...
Die musikalische Leitung dieser Frankfurter Erstaufführung liegt bei Simone Di Felice, der der Oper Frankfurt seit 2012/13 als Solorepetitor verbunden ist. Sein Hausdebüt als Dirigent gab er 2014/15 mit Monteverdis L’incoronazione di Poppea, ebenfalls im Bockenheimer Depot. Dort legte auch der seit 2009 als Hausregisseur am Staatsschauspiel Dresden wirkende Tilmann Köhler 2012/13 mit Händels Teseo sowohl sein Hausdebüt als auch sein Debüt als Opernregisseur vor. Als Medea gastierte in dieser Produktion die Mezzosopranistin Gaëlle Arquez (Zenobia) erstmals in Frankfurt. Zu ihren aktuellen Verpflichtungen gehört u.a. Idamante in Mozarts Idomeneo am Theater an der Wien. Dorthin führt nach seinem Frankfurter Hausdebüt als Fraarte auch der Weg des Countertenors Vince Yi als Sigismondo in
Händels Arminio. Sein Fachkollege Dmitry Egorov (Radamisto) ist hier regelmäßiger Gast. Zu seinen aktuellen Engagements gehört u.a. Giove / Coralbo in Agostino Steffanis Amor vien dal destina an der Berliner Staatsoper. Angeführt von Paula Murrihy (Polissena) und Kihwan Sim (Tiridate) sind alle weiteren Partien mit Mitgliedern des Frankfurter Ensembles und Opernstudios besetzt.


Premiere
DAS  SCHLAUE  FÜCHSLEIN  (PŘĺHODY  LIŠKY  BYSTROUŠKY)
Oper in drei Akten von Leoš Janáček
In tschechischer Sprache mit deutschen Übertiteln
Musikalische Leitung: Johannes Debus; Regie: Ute M. Engelhardt
Mitwirkende: Louise Alder / Elizabeth Reiter (Füchsin Schlaukopf), Jenny Carlstedt (Fuchs),
Simon Neal (Der Förster), Joanna Krasuska-Motulewicz (Die Frau Försterin / Eule),
Beau Gibson (Der Schulmeister / Mücke), Magnús Baldvinsson (Der Pfarrer / Dachs),
Sebastian Geyer (Háraschta, ein Landstreicher), Nina Tarandek (Dackel / Specht),
Michael McCown (Der Gastwirt Pasek), Britta Stallmeister (Hahn / Eichelhäher),
Nora Friedrichs (Schopfhenne / Die Gastwirtin)  u.a.
Weitere Vorstellungen: 30. April, 7., 15., 22. (15.30 Uhr; mit kostenloser Betreuung von Kindern
zwischen 3 und 9 Jahren), 25., 26. Mai, 12. Juni 2016
Falls nicht anders angegeben, beginnen diese Vorstellungen um 19.30 Uhr
Preise: € 15 bis 165 (12,5% Vorverkaufsgebühr nur im externen Vorverkauf)

Mit der Neuproduktion von Das schlaue Füchslein (Příhody lišky Bystroušky) macht die Oper
Frankfurt einen weiteren Schritt in Richtung der Vervollständigung ihrer Aufführungsliste sämtlicher Bühnenwerke des tschechischen Komponisten Leoš Janáček (1854-1928). Vorausgegangen sind Inszenierungen von Katja Kabanová (2003/04), Jenufa (2004/05), Die Ausflüge des Herrn Brouček (2007/08) und Die Sache Makropulos (2011/12). Dem Schlauen Füchslein liegt die nach heiteren Zeichnungen entstandene Erzählung von Rudolf Těsnohlídek zugrunde, welche sich Janáček selbst als Libretto einrichtete. Die erfolgreiche Uraufführung fand am 6. November 1924 an der Tschechischen Oper Brünn statt. Hatte sich der Meister – wie in seinen bisherigen Arbeiten – bei der musikalischen Gestaltung sehr stark von der „Melodie“ des gesprochenen Wortes inspirieren lassen, setzte er diesmal auch die Laute der Tiere musikalisch um. Das schlaue Füchslein wurde an der Oper Frankfurt zuletzt am 13. November 1977 von Jonathan Miller unter dem Dirigat von Ralf Weikert herausgebracht.
Der Reiz der Handlung liegt vor allem im Nebeneinander von Tier- und Menschenwelt: Der Förster hat im Wald das junge Füchslein Schlaukopf gefangen. Obwohl er sehr an dem Geschöpf hängt, droht er ihm Prügel an, nachdem es im Hühnerstall gewildert hat. Doch die Füchsin kann entkommen und kehrt – gereift und selbstständig – in den Wald zurück. Dort trifft sie auf einen Fuchs, der sich unsterblich in sie verliebt. Während die beiden überglücklichen Tiere heiraten und eine Familie gründen, wird dem Förster der Verlust seines Wildfangs und damit seiner eigenen inneren Wünsche und Hoffnungen immer schmerzlicher bewusst. Doch das tierische Glück ist nicht von langer Dauer: Der Landstreicher Háraschta wird zum Mörder der Füchsin, als sie sich mit ihrer Sippe über dessen  erbeutete Enten hermachen will. Am Ende der Oper schließt sich ein großer Kreis und verweist auf die Einheit von Tier- und Menschenwelt: Der Förster trifft im Wald auf eine junge Füchsin, welche die Tochter von Schlaukopf zu sein scheint.
Die musikalische Leitung der Neuproduktion obliegt Johannes Debus, der von 2001 bis 2009 an der Oper Frankfurt engagiert war, zuletzt als Kapellmeister. 2009 wechselte er als Musikchef an die Canadian Opera Company in Toronto, wo er gerade die Arbeit an seinem ersten Ring des Nibelungen abschließt. Bis 2012/13 war Ute M. Engelhardt als Regieassistentin in Frankfurt engagiert, wo sie im Bockenheimer Depot 2010/11 Aulis Sallinens Barabbas-Dialoge und 2014/15 Monteverdis L’incoronazione di Poppea inszenierte. Inzwischen arbeitet sie als freie Regisseurin u.a. in Halle, wo aktuell auch wieder ihre Sicht auf Acis e Galatea bei den Händel-Festspielen zu erleben ist. Die Besetzung stammt weitestgehend aus dem Ensemble der Oper Frankfurt: In der Titelpartie wechseln sich Louise Alder und Elizabeth Reiter ab, daneben sind u.a. Jenny Carlstedt als Fuchs, Beau Gibson als Schulmeister und Mücke, Magnús Baldvinsson als Pfarrer und Dachs sowie Sebastian Geyer als Landstreicher Háraschta zu erleben. Der englische Bariton Simon Neal (Der Förster), bis
2011 Ensemblemitglied am Theater Dortmund, gastiert regelmäßig an der Oper Frankfurt, zuletzt 2014/15 als Altair in konzertanten Aufführungen von Straussʼ Die ägyptische Helena. Aktuelle Engagements als Telramund in Wagners Lohengrin führen ihn an die Deutsche Oper Berlin und die Deutsche Oper am Rhein in Düsseldorf / Duisburg. Nach ihrem großen Erfolg als Bronka in Weinbergs Die Passagierin 2014/15 kehrt die polnische Mezzosopranistin Joanna Krasuska-Motulewicz (Die Frau Försterin / Eule) in der laufenden Saison auch für die Wiederaufnahme von Puccinis Il trittico als Äbtissin und Ciesca zurück an das Haus am Willy-Brandt-Platz. Mit von der Partie sind zudem – erstmals als Gast – Britta Stallmeister (Hahn / Eichelhäher) und die ehemalige Frankfurter Opernstudio-Stipendiatin Nora Friedrichs (Schopfhenne / Die Gastwirtin).


Dienstag, 19. April 2016, um 20.00 Uhr im Opernhaus
Liederabend
MARLIS  PETERSEN, Sopran
STEPHAN  MATTHIAS  LADEMANN, Klavier
Robert Schumanns Frauenliebe- und leben op. 42
sowie Lieder von Richard Strauss und Wolfgang Riehm
Mit freundlicher Unterstützung der Mercedes-Benz Niederlassung Frankfurt / Offenbach
Preise: € 15 bis 95 (12,5% Vorverkaufsgebühr nur im externen Vorverkauf)

Bitte beachten Sie, dass die angekündigte Brenda Rae wegen ihrer Schwangerschaft von dieser Verpflichtung zurücktreten musste. Statt ihrer wird den Abend Marlis Petersen gestalten.

Marlis Petersen, die kürzlich für ihre Interpretation der Titelpartie von Alban Bergs Lulu an der
Bayerischen Staatsoper in München zum dritten Mal als „Sängerin des Jahres“ (Opernwelt)
ausgezeichnet wurde, widmet sich in der aktuellen Saison zahlreichen Konzerten und
Liederabenden. Nach der Partie der Konstanze (Die Entführung aus dem Serail) und ihrem Recital 2012 kehrt die Ausnahmesopranistin an die Oper Frankfurt zurück. Aktuelle Engagements umfassen u.a. Liederabende in der Wigmore Hall in London, bei der Schubertiade, im Konzerthaus Berlin sowie Auftritte in Haydns Die Jahreszeiten unter Sir Simon Rattle. Außerdem sang Marlis Petersen in dieser Spielzeit Rosalinde (Die Fledermaus) an der Bayerischen Staatsoper und nach Interpretationen in Wien, Chicago, Hamburg und Kassel letztmalig Lulu an der Metropolitan Opera in New York, wo sie 2014 als Susanna (Le nozze di Figaro) debütierte. Das ehemalige Ensemblemitglied des Staatstheaters Nürnberg und der Deutschen Oper am Rhein ist einerseits im klassischen Koloraturfach zuhause und sang Partien wie Marguerite de Valois (Les Huguenots) am Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel, Zerbinetta (Ariadne auf Naxos) am Royal Opera House Covent Garden in London sowie Norina (Don Pasquale) an der Lyric Opera in Chicago, widmet sich aber gezielt auch Neuer Musik. In den Uraufführungen von Hans Werner Henzes Phaedra in Brüssel, Manfred Trojahns La Grande Magia an der Semperoper in Dresden und Aribert Reimanns Medea verlieh Marlis Petersen den Titelfiguren ihre Stimme. Weiterhin wird sie nach umjubelten Vorstellungen von La Traviata (Violetta), Elektra (Idomeneo) und den vier Frauen in Hoffmanns Erzählungen in der Uraufführung von Anno Schreiers Hamlet an das Theater an der
Wien zurückkehren.

Karten für die genannten Veranstaltungen sind bei unseren bekannten Vorverkaufsstellen, online unter www.oper-frankfurt.de oder im Telefonischen Vorverkauf 069 – 212 49 49 4 erhältlich.

Ostern im Nationaltheater Mannheim

SCHAUSPIELHAUS
+ An und Aus 
Roland Schimmelpfennig
Karfreitag, 25. März, 20.00 Uhr
Sonntag, 3. April, 16.00 Uhr
+  Die Heilige Johanna der Schlachthöfe 
Bertolt Brecht
Karsamstag, 26. März, 19.30 Uhr
Dienstag, 29. März, 19.30 Uhr
+Viel Lärm um nichts
William Shakespeare
Ostersonntag, 27. März, 19.30 Uhr
+ Herrinnen
Theresia Walser
Ostermontag, 28. März, 19.00 Uhr

OPERNHAUS

+ Farewell!

Kevin O’Day Ballett

Karsamstag, 26. März, 19.00 Uhr

+ Symphonie Nr. 9 D-Moll

Ludwig van Beethoven

Ostersonntag, 27. März, 18.00 Uhr

+ Die Zauberflöte 

Wolfgang Amadeus Mozart

Ostermontag, 28. März, 18.00 Uhr 

An und Aus (DSE) von Roland Schimmelpfennig bei den Autorentheatertagen in Berlin

(c) Christian Kleiner

Roland Schimmelpfennigs Stück An und Aus, das im Januar am Nationaltheater Mannheim in der Inszenierung von Schauspielintendant Burkhard C. Kosminski seine deutschsprachige Erstaufführung feierte, ist zu den diesjährigen Berliner Autorentheatertagen eingeladen. Im Rahmen des Festivals vom 11.-25. Juni 2016 werden Gastspiele bemerkenswerter Inszenierungen deutschsprachiger Gegenwartsdramatik gezeigt.

Mehr als 50 Produktionen haben die Dramaturginnen und Dramaturgen des DT mit Unterstützung der Journalistin Barbara Behrendt gesichtet. NebenAn und Aus (DSE) wurden zehn weitere Stücke eingeladen: LSD – Mein Sorgenkind. Eine Kette glücklicher Zufälle von Thom Luz (Theater Basel), Nirgends in Friede (Antigone) von Darja Stocker nach Sophokles (Theater Basel), Bilder von uns von Thomas Melle (Schauspiel Bonn), In einem dichten Birkenwald, Nebel von Henriette Dushe (Landestheater Detmold), Lupus in Fabula von Henriette Dushe (Schauspielhaus Graz),Glaubenskämpfer von Nuran David Calis (Schauspiel Köln, Stirb, bevor du stirbst, Komödie von Ibrahim Amir (Schauspiel Köln), Ramstein Airbase: Game of Drones, Projekt von Jan-Christoph Gockel (Staatstheater Mainz), I’m searching for I:N:R:I (eine Kriegsfuge) von Fritz Kater (Schauspiel Stuttgart) sowie Elfriede Jelineks Schatten (Eurydike sagt) vom Badischen Staatstheater Karlsruhe.

Neben den Gastspielen werden bei den Autorentheatertagen drei Stücke (aus 175 Einsendungen) in Inszenierungen des Deutschen Theaters, des Burgtheaters Wien und des Schauspielhauses Zürich ihre Uraufführung bzw. Preview erleben. Mit einer Voraufführung von Stefan Hornbachs Über meine Leiche  (vom Burgtheater Wien) wird das Festival am 11. Juni eröffnet, am 24. Juni wird Dominik Buschs Das Gelübde (vom Schauspielhaus Zürich) uraufgeführt. Am 25. Juni feiert Jakob Noltes Gespräch wegen der Kürbisse (vom Deutschen Theater Berlin) seine Uraufführung.

An und Aus (DSE) von Roland Schimmelpfennig:

Ein kleines Hotel am Hafen. Jeden Montag treffen sich hier drei Paare, die sich  untereinander betrügen, ohne zu wissen, dass im Zimmer nebenan der eigene Mann, die eigene Frau mit einer anderen, einem anderen im Bett liegt. Der junge Mann mit der Brille, der im Hotel arbeitet, kennt alle Gäste und ihre heimlichen Treffen. Auch er ist verliebt. Aber das Mädchen, das er liebt, arbeitet oben auf dem Berg und kann dort nicht weg. Plötzlich ein kurzes Flackern − Licht aus, Licht an. Was sich im Hotel und draußen abspielt, wird zu einer surrealen Bilderwelt vergrößert. Nichts bleibt, wie es ist.

am 18. Juni am DT Berlin mit einem Nachgespräch mit dem Autor Roland Schimmelpfennig, dem Regisseur Burkhard C. Kosminski und dem Dramaturgen Ingoh Brux.

An und Aus (DSE) am Nationaltheater Mannheim: 3. und 15. April 2016

Contemporary Dance: Freedom Ballet

Freedom ballet 

original movie scenes.

Alquimia - Serving girl

HKW Berlin: Zeit der Unruhe

Zeit der Unruhe. Über die Internationale Kunstausstellung für Palästina 1978

Sa, 19. März 2016 — Mo, 09. Mai 2016

Collectif de peintres antifascistes beim Malen eines Transparents für die Demonstration 
am 1.5.1976 zur Kritik der Kulturpolitik der Regierung. | Foto: César, Quelle: Claude Lazar

In den 1970er Jahren engagierten sich Künstler*innen weltweit in antiimperialistischen Solidaritätsbewegungen. Ausgehend von derInternationalen Kunstausstellung für Palästina 1978 in Beirut unternimmt Zeit der Unruhe eine spekulative Geschichtsschreibung der Netzwerke: Kollektive in Paris, Rom und Tokio; Künstlerverbände in Damaskus, Casablanca, Berlin und Warschau; Biennalen in Venedig, Bagdad und Rabat und Museen in Santiago de Chile, Kapstadt und Managua. Die von Kristine Khouri und Rasha Salti kuratierte Ausstellung nimmt sich der Problematik einer vorwiegend mündlich überlieferten Geschichte an und untersucht dabei kritisch die Mechanismen der Kanon-Konstruktion
Die Internationale Kunstausstellung für Palästinawurde im Frühjahr 1978 an der Beirut Arab University im Libanon eröffnet. Veranstaltet von der Palästinensischen Befreiungsorganisation (PLO), umfasste die Ausstellung etwa 200 von Künstler*innen aus fast dreißig Ländern gestiftete Werke und verstand sich als Kern eines Museums im Exil. In Gestalt einer Wanderausstellung sollte dieses die Welt bereisen, um schließlich nach Palästina heimgeführt zu werden. Während des Einmarschs der israelischen Truppen und der Belagerung Beiruts 1982 wurden die Gebäude, in denen sich die Sammlung und auch die Büros der Sektion Bildende Kunst und des Zentralen Informationsbüros der PLO befanden, zerstört.

Zeit der Unruhe. Über die Internationale Kunstausstellung für Palästina 1978 ist eine Dokumentations- und Archivausstellung, in deren Mittelpunkt die Geschichte und der geschichtliche Kontext der Ausstellung für Palästina von 1978 stehen. Sie präsentiert, vermittelt und verkörpert Themen und Fragen, die für die Recherche dieser Geschichte maßgeblich waren. Dafür verwendet sie neben der Reproduktion historischer Dokumente auch Videomontagen aus Archivmaterial und Filmen ebenso wie Interviews mit Zeitzeugen und Textdokumente. Sie kartografiert die Beziehungen zwischen verschiedenen Konstellationen von Künstler*innen und Gruppen, die sich durch eine gemeinsame politische Haltung und Solidarität verbunden fühlten und setzt bei Palästina an, um sich darauf aufbauend auch dem Rest der Welt zu widmen. Die Recherche zu anderen, zeitgleich zurInternationalen Kunstausstellung für Palästina als „Museum im Exil“ konzipierten Wanderausstellungen – zum Beispiel das Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende und Artists Against Apartheid – hat eine Form der museologischen Praxis zu Tage gefördert, die noch nicht lange zurück liegt und doch schon in Vergessenheit geraten ist. Gleichzeitig haben die Verbindungslinien zur Ersten Arabischen Biennale in Bagdad (1974) und der 1976er Biennale in Venedig bisher unbekannte Kartografien einer gemeinsamen Geschichte aufgedeckt.

Die erste Station von Zeit der Unruhe wurde alsPast Disquiet vom 20. Februar bis 1. Juli 2015 im Museu d'Art Contemporani de Barcelona gezeigt (MACBA). Die vom HKW veranstaltete zweite Version hinterfragt die Mechanismen der Kanon-Konstruktion in Diskurs und Historiografie der Kunst. Zudem legt sie vor dem Hintergrund des Kalten Krieges offen, welche Beziehungen zwischen Kunst und künstlerischer Praxis in den beiden deutschen Staaten und den Motiven der antiimperialistischen Solidaritätsfront, insbesondere des Kampfs für Palästina bestanden.

Mehr Informationen

Zeit der Unruhe ist einer der Ausgangspunkte für die Konferenz A History of Limits. Zum Auftakt des Langzeitprojekts Kanon-Fragen hinterfragt sie die Fundamente der institutionellen Kanon-Bildung und entwirft die Kunst- und Kulturgeschichte neu als Geschichte des Aushandelns von Grenzen.

Zeit der Unruhe wird kuratiert von Kristine Khouri und Rasha Salti und wurde 2015 vom Museu d´Art Contemporani de Barcelona (MACBA) konzipiert und präsentiert. Die Berliner Ausstellung 2016 ist eine Produktion des Hauses der Kulturen der Welt und des MACBA. Recherche gefördert durch Rana Sadik und Samer Younis, Sharjah Art Foundation, Arab Fund for Arts and Culture (AFAC), ZedGrant, A.M. Qattan Foundation und Tensta konsthall.

Im Rahmen von Kanon-Fragen 2016-2019

Hintergrundinfo zu BACH IN BRAZIL

WO LIEGT OURO PRETO? –
DER REALE UND DER FIKTIONALE ORT DER HANDLUNG

Ouro Preto (dt. „schwarzes Gold“) ist eine Stadt mit knapp
100.000 Einwohnern im Bundesstaat Minas Gerais ca. 300 km
nördlich von Rio de Janeiro in Brasilien. Die Altstadt ist seit
1980 als Unesco-Weltkulturerbe verzeichnet, d.h. als eine
besonders erhaltenswerte einzigartige Kulturstadt.
Natürlich hätten die Filmemacher irgendeine malerische Stadt
mit Barockkirche irgendwo in der Welt auswählen können, mit
einem Hintergrund der brasilianischen Landschaft versehen
und einfach behaupten können, es sei die Stadt in Brasilien,
in der Martens Freund Karl lebte und wo der ängstliche Erbe
jetzt seine Bach-Noten abholen soll. Und aus irgendeinem
ganz anderen Ort hätte man auch noch die Jugendarrestanstalt
drehen und im Filmschnitt ergänzen können. So setzen das
ja viele Filme zu einer einheitlichen Geschichte zusammen
mit ihren Location Scouts, Produktionsdesignern und Cuttern.
Doch der Filmemacher Ansgar Ahlers wollte einen echten
Bach-Ort in Brasilien und keinen behaupteten für seine
Geschichte: Er hatte gelernt, dass Johann Sebastian Bachs Musik
großen Einfluss auf brasilianische Komponisten hatte; er
hatte selbst vor Ort gesehen, dass es in Brasilien noch heute
viel unzerstörte barocke Kunst und Architektur gibt und sich
darin brasilianische und alte deutsche Städte wie z.B. Leipzig
und Bückeburg ähnlich sind; und er hatte gehört, dass die
Originalhandschrift des berühmten deutschen Komponisten
seines ARIOSOs bis heute verschollen ist. Auch hatte er aus den
Medien erfahren, dass ein seinerzeit offenes Multi-Kulti-Land
wie Brasilien mehr und mehr arme Menschen von den öffentlichen
Plätzen und insbesondere auch Stränden der Copacabana ausgrenzt.
Ein Land der Gegensätze von Hochkultur einerseits und Ausgrenzung
andererseits.

Auch Deutschland spiegelt diese Gegensätze mancherorts.
Aus all dem formte sich die Idee des Filmemachers von einer
Mischung aus Kulturhistorie und aktuellem sozialem Missstand
und er wollte an Plätzen drehen, die diese Elemente realistisch
in sich vereinen. Ouro Preto war dieser Ort – mit Barockkirche,
verwinkelten Gassen, einer Telefonzelle auf einem Hügel, einer
Jugendarrestanstalt mit großem Hof und mit viel Lebensfreude
auch unter den armen, teils ausgegrenzten Bewohnern.

So hat sich der Drehbuchautor und Regisseur eine Geschichte
ausgedacht über jemanden, der an einem brasilianischen Ort
ein altes Bach-Manuskript wiederfindet und damit aber nicht
nur dieses Stück Papier. Sondern dass es bis heute möglich ist,
Bachs deutsche Barock-Kompositionen, die weltberühmt sind,
mit brasilianischen Klängen zu mischen. Und dass es möglich
ist, einen alten, in seinen Gewohnheiten eingefrorenen Mann
durch arme, aber fröhliche Kinder wieder lebensmutiger zu
machen. Dazu müssen die unterschiedlichen, d.h. einander
fremden Lebensweisen und die Gemeinsamkeiten in der Kultur
erkannt und anerkannt werden. Dafür wählte er Ouro Preto in
Brasilien und Bückeburg in Deutschland als Gegensatz-Orte, in
denen die beiden konträren Pole der Figurenkonstellation aus
BACH IN BRAZIL – hier der alte Lehrer Marten/dort die nicht
geförderten inder und Jugendlichen – aufblühen können,
weil sie Fremdes, Neues kennenlernen. Im Mittelpunkt stand
für den Autor, Regisseur und Produzenten dabei der heitere
Komödienton, nicht das Sozialdrama, wie manche vielleicht
erwarteten.